Decorative Arts, Silpakorn University

ขอเชิญร่วมพิธีเปิด
นิทรรศการแสดงผลงานวิชาการด้านการออกแบบเครื่องแต่งกาย แฟชั่น สิ่งทอ และเครื่องตกแต่ง PARTSILP 2026 โดยภาควิชาการออกแบบเครื่องแต่งกาย คณะมัณฑนศิลป์ มหาวิทยาลัยศิลปากร
วันที่ 16 มิถุนายน 2569
ณ หอศิลปะและการออกแบบ ชั้น 1 อาคารคณะมัณฑนศิลป์ มหาวิทยาลัยศิลปากร วังท่าพระ
15.00 เริ่มลงทะเบียน
16.00 ประธานกล่าวเปิดนิทรรศการ
16.30 คณาจารย์นำชมผลงานที่ร่วมจัดแสดง
นิทรรศการเปิดให้บุคคลภายนอกเข้าชมตั้งแต่วันที่ 16-20 มิภุนายน 2569
ระหว่างเวลา 9.00 - 17.00

คณะมัณฑนศิลป์ มหาวิทยาลัยศิลปากร ขอแสดงความยินดีกับ ศาสตราจารย์ ดร.เอกชาติ จันอุไรรัตน์ เนื่องในโอกาสได้รับพระบรมราชโองการโปรดเกล้าโปรดกระหม่อมแต่งตั้งเป็น ราชบัณฑิต ประเภทวิชาประยุกต์ศิลป์ สาขาวิชามัณฑนศิลป์ สำนักศิลปกรรม

ทั้งนี้ตั้งแต่วันที่ 24 ธันวาคม 2568 เป็นต้นไป
ประกาศ ณ วันที่ 11 มิถุนายน พ.ศ. 2569

คณะมัณฑนศิลป์ มหาวิทยาลัยศิลปากร ขอแสดงความยินดี เนื่องในโอกาสมีพระบรมราชโองการโปรดเกล้าโปรดกระหม่อมแต่งตั้ง ราชบัณฑิต

ศาสตราจารย์เอกชาติ จันอุไรรัตน์
คณะมัณฑนศิลป์ มหาวิทยาลัยศิลปากร
เป็นราชบัณฑิต ประเภทวิชาประยุกต์ศิลป์ สาขาวิชามัณฑนศิลป์ สำนักศิลปกรรม

ทั้งนี้ตั้งแต่วันที่ 24 ธันวาคม 2568 เป็นต้นไป
ประกาศ ณ วันที่ 11 มิถุนายน พ.ศ. 2569

นักศึกษาใหม่ คณะมัณฑนศิลป์ เตรียมตัวให้พร้อม เปิดเทอมนี้เรามีนัดกัน❗️🧡

ปฏิทินกิจกรรม คณะมัณฑนศิลป์ มหาวิทยาลัยศิลปากร
🟠 ปฐมนิเทศ (คณะมัณฑนศิลป์)
🟢 ปฐมนิเทศ (ระดับมหาวิทยาลัย)
○ วังท่าพระ และพระราชวังสนามจันทร์
🔵 วันเปิดเทอม
---‐---------------------------------------------------
○ นักศึกษาภาควิชา ฝั่งวังท่าพระ ○
โปรดติดตามรายละเอียดต่อไป

○ สำหรับนักศึกษาภาควิชา ฝั่งสนามจันทร์ ○
✅️รับจำนวนจำกัด 1,500 ที่นั่ง (On- site)
✅️รูปแบบออนไลน์เฉพาะภาคบ่ายไม่จำกัด)

“กลิ่นจันน้อมใจ..น้องใหม่ศิลปากร”
3 กรกฎาคม 2569 💚💚
📌 ลงทะเบียนสมัครเข้าร่วมกิจกรรม พร้อมกัน
📅 วันที่ 15 มิถุนายน นี้
⏰️ ตั้งแต่เวลา 12.00 น. เป็นต้นไป
(ออนไซต์ปิดระบบเมื่อครบจำนวน)

ศึกษารายละเอียดและกำหนดการเตรียมพร้อมก่อนสมัครลงทะเบียน
ได้ที่เว็บไซต์📌📌 https://dsa.su.ac.th/ksu/?p=17323

#ทั้งนี้กิจกรรมเป็นไปตามความสมัครใจของนักศึกษา 😁

🌿 Preserving Heritage, Empowering Communities, Creating Sustainable Futures

The Department of Ceramics, Faculty of Decorative Arts, Silpakorn University, in collaboration with the Ban Bang Sadet Royal Court Doll Center, organized the project “Preserving, Conserving, and Extending the Legacy of Royal Court Dolls through Design and Ceramic Product Development” on 13–14 June 2026 at the Ban Bang Sadet Royal Court Doll Center, Pa Mok District, Ang Thong Province.

This initiative reflects a shared commitment to strengthening community potential through the integration of traditional wisdom and contemporary design. As a partner in the Learning City network, the Department of Ceramics contributed expertise in ceramic design and product development to support local artisans in transforming traditional handicrafts into high-value creative products while preserving the unique cultural identity of Ban Bang Sadet Royal Court Dolls.

The project brought together 20 local artisans and community members, alongside faculty members and students from Silpakorn University, who served as instructors and mentors throughout the learning process. Activities included hands-on workshops on ceramic design and glazing techniques, collaborative product prototyping, personalized design consultations, and an exhibition showcasing newly developed works.

Through knowledge exchange and co-creation, the project aims to enhance creative thinking and product design skills among local artisans, develop commercially viable ceramic products, and foster sustainable collaboration between communities and higher education institutions. Ultimately, the initiative contributes to the growth of Ang Thong’s creative economy while safeguarding valuable cultural heritage for future generations.

🎯 Contributing to the United Nations Sustainable Development Goals (SDGs):

📚 SDG 4 – Quality Education
Promoting lifelong learning through knowledge transfer, workshops, and community-based learning.
💼 SDG 8 – Decent Work and Economic Growth
Enhancing local craftsmanship and creating opportunities for sustainable income generation through creative product development.
🏛️ SDG 11 – Sustainable Cities and Communities
Safeguarding cultural heritage and strengthening community identity through the preservation and revitalization of traditional crafts.
🤝 SDG 17 – Partnerships for the Goals
Fostering collaboration between academia, local communities, and cultural organizations to achieve sustainable development.

+----------+----------+----------+----------+----------+

🌿 สืบสาน รักษา ต่อยอดภูมิปัญญาท้องถิ่น สู่เศรษฐกิจสร้างสรรค์อย่างยั่งยืน

ภาควิชาเครื่องเคลือบดินเผา คณะมัณฑนศิลป์ มหาวิทยาลัยศิลปากร ร่วมกับศูนย์ตุ๊กตาชาววังบ้านบางเสด็จ จัดโครงการ “สืบสาน รักษา ต่อยอด ตุ๊กตาชาววัง พัฒนาผลิตภัณฑ์ด้านการออกแบบและเครื่องเคลือบดินเผา ศูนย์ตุ๊กตาชาววังบ้านบางเสด็จ” ระหว่างวันที่ 13–14 มิถุนายน 2569 ณ ศูนย์ตุ๊กตาชาววังบ้านบางเสด็จ ตำบลบางเสด็จ อำเภอป่าโมก จังหวัดอ่างทอง

โครงการนี้เกิดขึ้นจากความร่วมมือระหว่างสถาบันการศึกษาและชุมชนท้องถิ่น เพื่อพัฒนาศักยภาพช่างฝีมือและสมาชิกศูนย์ตุ๊กตาชาววังบ้านบางเสด็จ ผ่านการถ่ายทอดองค์ความรู้ด้านการออกแบบร่วมสมัยและเทคนิคเครื่องเคลือบดินเผา โดยคณาจารย์และนักศึกษาจากภาควิชาเครื่องเคลือบดินเผา ในฐานะภาคีเครือข่าย “เมืองแห่งการเรียนรู้ (Learning City)”

กิจกรรมประกอบด้วยการอบรมเชิงปฏิบัติการ การพัฒนาต้นแบบผลิตภัณฑ์ร่วมกันระหว่างชุมชนและนักศึกษา การให้คำปรึกษาเชิงลึกด้านการออกแบบ ตลอดจนการจัดแสดงผลงานต้นแบบที่สะท้อนการผสมผสานระหว่างภูมิปัญญาดั้งเดิมกับนวัตกรรมการออกแบบร่วมสมัย

ความร่วมมือครั้งนี้มุ่งส่งเสริมการอนุรักษ์และต่อยอดมรดกภูมิปัญญาทางวัฒนธรรมของชุมชน สร้างมูลค่าเพิ่มทางเศรษฐกิจให้กับผลิตภัณฑ์ท้องถิ่น พัฒนาทักษะด้านความคิดสร้างสรรค์และการออกแบบของช่างฝีมือ พร้อมทั้งสร้างเครือข่ายความร่วมมือระหว่างชุมชนและสถาบันการศึกษาในการขับเคลื่อนเศรษฐกิจสร้างสรรค์อย่างยั่งยืน

🎯 โครงการนี้สอดคล้องกับเป้าหมายการพัฒนาที่ยั่งยืน (SDGs)
📚 SDG 4 การศึกษาที่มีคุณภาพ (Quality Education)
💼 SDG 8 งานที่มีคุณค่าและการเติบโตทางเศรษฐกิจ (Decent Work and Economic Growth)
🏛️ SDG 11 เมืองและชุมชนที่ยั่งยืน (Sustainable Cities and Communities)
🤝 SDG 17 ความร่วมมือเพื่อการพัฒนาที่ยั่งยืน (Partnerships for the Goals)


#คณะมัณฑนศิลป์ #ภาควิชาเครื่องเคลือบดินเผา
#เศรษฐกิจสร้างสรรค์
#ตุ๊กตาชาววังบ้านบางเสด็จ #อ่างทอง
#บ้านบางเสด็จ

ด้วยสำนึกในพระมหากรุณาธิคุณ

The Importance of Perspective Drawing in Interior Design Education

Asst. Prof. Nathrathanon Thongsuthipheerapas
Lecturer, Department of Interior Design
Faculty of Decorative Arts, Silpakorn University

Perspective drawing is a fundamental component of interior design education. More than a representational technique, it serves as a means of developing spatial thinking, fostering an understanding of space, structure, proportion, functionality, and aesthetics. Through continuous practice, students gradually cultivate their own aesthetic sensibility and design judgment. The process of drawing perspective trains the mind, eye, and hand to work together in observing space, atmosphere, use, materials, light, and color—all of which are essential elements of interior design.

Learning perspective drawing is essentially learning to “see as a designer.” It encourages students to perceive the relationships among horizontal, vertical, and spatial planes, while developing an understanding of scale, proportion, and spatial dimensions. Those who engage in perspective drawing acquire visual literacy and spatial experience, enabling them to systematically transform physical information into mental images and, conversely, translate conceptual ideas into physical space.

Perspective drawing is therefore not merely a method of representation but a way of understanding spatial relationships. Viewing space through grids, vanishing points, and perspective lines becomes the foundation for understanding spatial logic. This process allows students to analyze space more deeply and critically.

Perspective Drawing as a Tool for Learning Color, Materials, and Atmosphere

Perspective drawing also provides a means of learning how to create atmosphere through the use of color, light and shadow, and materials—elements that are central to interior design. As the hand and eye work together, designers begin to understand that color is not simply an addition to an image but a medium through which spatial emotions are communicated. The coloring of walls, the depiction of textures such as wood, metal, and fabric, as well as the modulation of light and shadow, all reflect the designer’s aesthetic sensibility and personal taste.

Practicing perspective drawing through thoughtful color application is therefore an exercise in both seeing and feeling. As Chalood Nimsamer (1990) noted in Elements of Art, “Color, line, and value are visual forces that create artistic emotion.” Beyond serving as a communication tool for clients and construction teams, perspective drawing contributes to the creation of artistic expression within interior design.

Perspective Drawing and the Development of Design Taste and Aesthetic Sensibility

In interior design, taste is not developed through judging what is merely “beautiful” or “unattractive.” Rather, it emerges through the cultivation of observation, perception, and an appreciation of the subtle qualities present within space. Perspective drawing contributes to the development of visual aesthetics by enabling students to perceive and express beauty through line quality, tonal variation, color harmony, and the relationships among materials with different characteristics.

Good design taste is not acquired through imitation but through understanding why certain qualities are perceived as beautiful within specific contexts. Practicing hand-drawn and hand-rendered perspectives encourages designers to understand beauty through the act of creation rather than passive observation.

As Rudolf Arnheim suggested, perception itself is a form of thinking. Drawing is therefore not simply a process of reproducing what the eye sees; it is a process of understanding, interpreting, imagining, and emotionally engaging with space. Perspective drawing by hand represents a point at which art and interior design converge.

From Drawing to Represent to Drawing to Understand and Design

At the introductory level, perspective drawing should begin as a process of learning and understanding. Students may study precedent drawings, architectural illustrations, or photographs of completed projects to gain experience in representing space through line, color, light, and materiality. Such exercises help develop both technical proficiency and a mental repository of visual references that can later inform creative work.

As students advance in interior design education, perspective drawing should evolve beyond the pursuit of realism. The emphasis should shift toward “drawing to understand” and “drawing to design.” Designers should be trained to use line, color, and tonal value as tools for design development, problem-solving, and the exploration of spatial qualities.

Perspective drawing enables designers to construct atmospheres through the deliberate use of light, color palettes, artistic principles, functional requirements, and design concepts. It becomes a powerful medium for expressing abstract qualities such as the warmth of a home, the tranquility of a meditation room, or the elegance of a reception area. Through this process, interior design can achieve not only beauty and functionality but also meaning and emotional resonance.

Ultimately, perspective drawing should not be regarded merely as a foundation course. Rather, it is a foundational discipline of design itself. It cultivates designers who are capable of perceiving beauty with reason, understanding space through emotional and experiential dimensions, and creating works that harmoniously integrate logic and aesthetics.

+----------+----------+----------+----------+----------+

ความสำคัญของการเขียนทัศนียภาพกับการเรียนออกแบบภายใน

ผู้ช่วยศาสตราจารย์ณัฐรฐนนท์ ทองสุทธิพีรภาส
อาจารย์ประจำภาควิชาออกแบบตกแต่งภายใน
คณะมัณฑนศิลป์ มหาวิทยาลัยศิลปากร

การเขียนทัศนียภาพ (Perspective Drawing) เป็นพื้นฐานสำคัญของการเรียนออกแบบตกแต่งภายใน เป็นการสร้างกระบวนการคิดเชิงพื้นที่ (Spatial Thinking) ที่หล่อหลอมความเข้าใจในที่ว่าง โครงสร้าง สัดส่วน การใช้สอยและความงามของพื้นที่ จนเกิดเป็น “รสนิยมทางสุนทรียะ” ของนักออกแบบ การฝึกเขียนทัศนียภาพเป็นการฝึกให้สมอง สายตา และมือ ทำงานร่วมกันเพื่อมองพื้นที่ บรรยากาศ การใช้งาน วัสดุ แสง และสี ซึ่งเป็นหัวใจของการออกแบบภายใน

การฝึกวาดภาพทัศนียภาพเป็นการเรียนรู้ที่จะ “มองแบบนักออกแบบ” (Seeing as a designer) คือ การมองเห็นความสัมพันธ์ระหว่างระนาบแนวราบ แนวตั้ง และแนวลึก เข้าใจขนาด สัดส่วน และมิติของพื้นที่ในภาพรวม ผู้ที่ฝึกฝนการเขียนทัศนียภาพจะพัฒนาความรู้ทางสายตา (Visual Literacy) และประสบการณ์เชิงพื้นที่ (Spatial experience) ซึ่งช่วยให้สามารถแปลข้อมูลเชิงกายภาพให้กลายเป็นภาพทางความคิดได้อย่างเป็นระบบ รวมทั้งสามารถแปลงกลับข้อมูลในความคิดให้กลายเป็นพื้นที่เชิงกายภาพได้อีกด้วยการเขียนทัศนียภาพจึงเป็นการทำความเข้าใจความสัมพันธ์ของสิ่งนั้นในเชิงพื้นที่ การมองผ่านกริดและเส้นแนวของทัศนียภาพ เป็นจุดเริ่มต้นของการเข้าใจตรรกะของพื้นที่ (Spatial Logic) และทำให้ผู้เรียนสามารถมองพื้นที่ในเชิงวิเคราะห์ได้ลึกซึ้งขึ้น

การเขียนทัศนียภาพกับการเรียนรู้เรื่องสี วัสดุ และบรรยากาศ

การเขียนทัศนียภาพเป็นการเรียนรู้การสร้าง “บรรยากาศ” ผ่านการเลือกใช้โทนสี แสงเงา และวัสดุ ซึ่งล้วนเป็นองค์ประกอบสำคัญของการออกแบบภายใน และเมื่อมือและสายตาทำงานร่วมกัน นักออกแบบจะเริ่มเข้าใจว่าสีไม่ใช่เพียงสิ่งที่เติมลงบนภาพ แต่คือการสื่อสารความรู้สึกของพื้นที่ การระบายสีผนัง การแสดงพื้นผิวของไม้ โลหะ หรือผ้า รวมถึงการจัดน้ำหนักของแสง ล้วนสะท้อนรสนิยมและสุนทรียภาพของผู้ออกแบบ การฝึกเขียนทัศนียภาพด้วยการใส่สีอย่างมีเหตุผล จึงเป็นการฝึก “การมองและรู้สึก” ไปพร้อมกัน

ดังที่ ชลูด นิ่มเสมอ (2533) กล่าวไว้ในหนังสือ องค์ประกอบศิลป์ ว่า “สี เส้น และน้ำหนัก เป็นพลังของการมองเห็นที่สร้างอารมณ์ทางศิลปะ” การเขียนทัศนียภาพนอกจากการสื่อสารเพื่อความเข้าใจกับลูกค้าและการก่อสร้างแล้ว คือการสร้างความรู้สึกทางศิลปะให้เกิดขึ้นในงานออกแบบภายใน

การเขียนทัศนียภาพกับการพัฒนารสนิยมและสุนทรียภาพทางออกแบบ

รสนิยม (Taste) ในทางออกแบบภายในไม่ได้เกิดจากการจำแนกว่าสิ่งใด “สวย” หรือ “ไม่สวย” แต่เกิดจากการฝึกฝนการมอง การสังเกต และการรับรู้คุณค่าขององค์ประกอบต่างๆ ที่อยู่ในพื้นที่อย่างละเอียดอ่อน การเขียนทัศนียภาพจึงเป็นการพัฒนาสุนทรียะทางสายตา ที่ทำให้ผู้ศึกษาเห็นความงามของพื้นที่และถ่ายทอดออกมาในจังหวะของเส้น การไล่น้ำหนักแสง การกลมกลืนของโทนสี และความสัมพันธ์ระหว่างวัสดุที่ต่างคุณสมบัติ รสนิยมที่ดีในงานออกแบบไม่ได้เกิดจากการเลียนแบบ แต่เกิดจากการ “เข้าใจ” ว่าทำไมสิ่งหนึ่งจึงงามในบริบทต่างๆ การฝึกวาดและระบายสีทัศนียภาพด้วยมือ จึงเป็นการฝึกให้นักออกแบบ “เข้าใจความงามจากการสร้าง” มิใช่เพียงจากการมอง

ดังที่รูดอล์ฟ อาร์นไฮม์ได้กล่าวไว้ การรับรู้เองก็เป็นรูปแบบหนึ่งของการคิด ดังนั้นการมองเห็นคือรูปแบบหนึ่งของการคิด การวาดภาพจึงไม่ใช่เพียงการถ่ายทอดสิ่งที่ตาเห็น แต่เป็นกระบวนการของการเข้าใจ การตีความพื้นที่ในเชิงสุนทรียะ จินตนาการและความรู้สึก การเขียนทัศนียภาพด้วยมือจึงเป็นความคิดอ่าน เป็นจุดที่ศิลปะและการออกแบบภายในมาบรรจบกัน

การเขียนเพื่อจำลองสู่การเขียนเพื่อเข้าใจและออกแบบอย่างมีรสนิยม

ในระดับพื้นฐานควรเริ่มต้นด้วยการเขียนเพื่อเข้าใจ เขียนเพื่อศึกษา อาจเป็นการศึกษาจากภาพเขียนตัวอย่าง หรือจากภาพผลงานจริงเพื่อเก็บประสบการณ์ในการถ่ายทอดพื้นที่ผ่านเส้น สี แสง วัสดุในลักษณะต่างๆ ให้ได้อย่างคล่องแคล่ว ทั้งด้านทักษะความชำนาญในการเขียน และการสะสมคลังจินตภาพเพื่อเป็นวัตถุดิบในการทำงาน

เมื่อมีความชำนาญแล้วในการเรียนออกแบบภายในการเขียนทัศนียภาพควรมุ่งเน้นไปที่ “การเขียนเพื่อเข้าใจ” และ “การเขียนเพื่อออกแบบ” มากกว่าการเขียนเพื่อความเหมือนจริงเพียงอย่างเดียว นักออกแบบควรได้รับการฝึกฝนให้ใช้เส้น สี และน้ำหนักเป็นเครื่องมือในการพัฒนางานออกแบบภายในเป็นหนึ่งในกระบวนการทำงาน พัฒนาแบบ และค้นหาความงามที่อยู่ภายในพื้นที่ ฝึกสร้างบรรยากาศด้วยการใช้แสง โทนสีที่สัมพันธ์กับองค์ประกอบศิลป์ การใช้งานและแนวคิดการออกแบบ ซึ่งเป็นเครื่องมือที่ทรงพลังในการถ่ายทอดความรู้สึกเชิงนามธรรม เช่น ความอบอุ่นของบ้าน ความสงบนิ่งของห้องสมาธิ หรือความหรูหราของพื้นที่รับรอง เพื่อให้ผลงานมีความสวยงาม ใช้งานได้ดี มีความหมาย และมีอารมณ์ร่วมภายในงานด้วย

ในที่สุด การเขียนทัศนียภาพจึงมิได้เป็นเพียง “วิชาพื้นฐาน” หากแต่เป็น “รากฐานทางการออกแบบ” ที่หล่อหลอมให้ผู้ฝึกฝนกลายเป็นผู้ออกแบบที่มองเห็นความงามได้อย่างมีเหตุผล มีกระบวนการเข้าใจพื้นที่ในมิติของอารมณ์ และสร้างสรรค์ผลงานที่มีทั้งตรรกะและสุนทรียะอย่างกลมกลืน

บรรณานุกรม
ชลูด นิ่มเสมอ. (2533). องค์ประกอบศิลป์. กรุงเทพฯ: สำนักพิมพ์ดวงกมล.
Arnheim, R. (1969). Visual thinking. University of California Press.

In loving memory of Her Royal Highness Princess Bajrakitiyabha Narendiradebyavati
Whose life was dedicated to duty, justice, and the service of the nation. May Her Royal Highness rest in everlasting peace.

Ph.D. in Jewelry Design
Faculty of Decorative Arts, Silpakorn University

A doctoral programme dedicated to advancing knowledge in jewelry design as a field of creativity, culture, materiality, embodiment, identity, and contemporary innovation.

Designed for designers, artists, researchers, educators, and creative practitioners who seek to expand jewelry beyond object-making and engage in rigorous research through artistic and design inquiry.

Explore new perspectives.
Experiment with materials and ideas.
Generate original knowledge.

Transform jewelry from an object of adornment into a platform for understanding people, culture, materials, and the world.

Join a community of scholars and practitioners shaping the future of contemporary jewelry.

Applications Open Now – 20 June 2026

Direct Admission

Contact: +66 65 264 5654

คณะมัณฑนศิลป์ โดยภาควิชาออกแบบเครื่องประดับ
จัดโครงการอบรมระยะสั้นสำหรับบุคคลภายนอก ภายใต้หัวข้อ “เครื่องประดับดารดาษ“
กิจกรรมอบรมเชิงปฎิบัติการ การทำเครื่องประดับที่ส่งเสริมสุนทรียภาพของธรรมชาติ ทรัพยากรที่มีอยู่รอบตัว และการใช้ทรัพยากรเหลือใช้อย่างสร้างสรรค์

📌กิจกรรมประกอบด้วย
- การบรรยายหัวข้อ “การออกแบบเครื่องประดับอย่างยั่งยืน
- ปฏิบัติการทำกระดาษจากกระดาษเหลือใช้ และวัสดุธรรมชาติ
- ปฏิบัติการทำเครื่องประดับด้วยกระดาษทำมือ

💎
วันเสาร์ที่ 25 กรกฎาคม 2569
เวลา 09.00 - 17.00 น

🔸
สถานที่ ห้อง 604 และห้องภาควิชาออกแบบเครื่องประดับ ชั้น 6 คณะ มัณฑนศิลป์ มหาวิทยาลัยศิลปากร วังท่าพระ กรุงเทพมหานคร
✨ รับจำนวนจำกัด 20 ที่นั่ง
📌ฟรี ไม่มีค่าใช้จ่าย

สมัครและสอบถามข้อมูลเพิ่มเติมได้ที่ Line Official: https://lin.ee/oYzU4y9

+----------+----------+----------+----------+----------+

Short Course Workshop for the Public
“Jewelry from Paper: Sustainable Creativity in Practice”

The Faculty of Decorative Arts, Silpakorn University, through the Department of Jewelry Design, is pleased to invite members of the public to participate in a short-course workshop entitled “Jewelry from Paper”.

This hands-on workshop explores jewelry-making as a creative practice that celebrates the beauty of nature, encourages the thoughtful use of locally available resources, and promotes the innovative reuse of discarded materials through sustainable design.

📌 Workshop Activities
Lecture: “Sustainable Jewelry Design”
Hands-on workshop: Making handmade paper from recycled paper and natural materials
Hands-on workshop: Creating jewelry from handmade paper

💎 Date
Saturday, 25 July 2026

🕘 Time
09:00 – 17:00 hrs.

📍 Venue
Room 604 and the Department of Jewelry Design Studio, 6th Floor, Faculty of Decorative Arts, Silpakorn University, Wang Tha Phra Campus, Bangkok

✨ Limited to 20 participants
📌 Free of charge

For registration and further information, please contact our Line Official Account: https://lin.ee/oYzU4y9